Tricoté, restauré, tissé, guéri | Art de la fibre | Kesha Bruce, Lizette Chirrime, Maliza Kiasuwa et Adia Millett

La galerie Morton Fine Art est heureuse d'annoncer « Tricoter, Restaurer, Tisser, Guérir », une exposition collective internationale d'art textile explorant les thèmes interdépendants de la guérison, de la réappropriation, de la découverte et du fait d'être découvert. L'exposition présente les œuvres des artistes Kesha Bruce (États-Unis), Lizette Chirrime (Mozambique), Maliza Kiasuwa (Belgique et Kenya) et Adia Millett (États-Unis). Réunissant les créations textiles de ces quatre artistes femmes travaillant sur trois continents, « Tricoter, Restaurer, Tisser, Guérir » est animée par une conviction : le renouveau, la guérison et une matérialité porteuse de sens. « Si mon travail rend hommage au passé par l'utilisation de tissus recyclés et d'iconographie historique, son imagerie lumineuse et athée est tournée vers l'avenir et s'en inspire », explique Millett. « Elle nous rappelle l'importance du renouveau et de la reconstruction, non seulement à travers le processus artistique, mais aussi par la possibilité d'une transformation profonde. » L'exposition « Knit, Restored, Woven, Healed » sera présentée du 24 mai au 26 juin 2024 à la galerie Morton's de Washington, D.C. (52 O St NW #302). Un vernissage aura lieu le 1er juin de 2h à 4h.

Poursuivant les techniques ancestrales, Chirrime et Kiasuwa travaillent avec des matériaux chargés de résonance qui font écho au passé tout en permettant à ce dernier de dialoguer avec le présent. Repos et guérison physique et spirituelle sont leurs aspirations. L'artiste mozambicaine Chirrime collecte des matériaux de récupération dans son environnement et ses communautés, utilisant tissus, fils, cordes, peinture, points de couture et autres pour créer des collages dynamiques qui explorent la féminité africaine et la condition humaine. Le jeu de Chirrime entre textile et abstraction, soi et univers, objets mis au rebut et réparés, évoque un monde d'interaction entre soi et l'autre. « J'utilise le tissu pour créer des œuvres comme une forme d'auto-guérison », explique Chirrime. « Et simultanément, pour guérir l'Univers. » L'art, en tant qu'outil thérapeutique et spirituel, offre à Chirrime une nouvelle compréhension de la représentation et de la nature humaine, fil après fil coloré, inspirant espoir et guérison. 

Autre artiste dont la pratique s'enracine depuis longtemps dans les objets trouvés et les histoires qu'ils portent, Kiasuwa utilise le fil pour tisser des matériaux disparates en un dialogue entrelacé. « L'art textile se prête intrinsèquement aux thèmes de la croissance, du renouveau, de la reconstruction et du changement », explique Kiasuwa. « La nature même des fibres, qui peuvent être tordues, tissées et cousues ensemble, reflète le lien et la résilience inhérents à la vie. Chaque fil, fragile individuellement, devient fort et solidaire. La polyvalence de la fibre permet une expérimentation et une évolution constantes. Je peux teindre, imprimer, couper et manipuler les fibres d'une infinité de façons, reflétant ainsi la nature dynamique du changement et de la transformation. » Les œuvres de Kiasuwa représentent et simulent souvent simultanément une vision d'échange entre des parties qui, bien que parfois dissonantes par leur matériau, sont empreintes d'harmonie et de dignité dans leur forme. Artiste visuelle d'origine européenne et africaine, Kiasuwa apporte une perspective panoptique à son œuvre transfrontalière, qui considère la coexistence de deux mondes comme une source d'inspiration inépuisable et un espace potentiel de réconciliation.  

Artiste exposante depuis plus de 25 ans, Bruce a progressivement orienté sa pratique artistique vers la capture et la valorisation du processus de création comme une fin en soi. Combinant intuitivement peinture, collage et art textile, son œuvre représente l'aboutissement d'une démarche créative holistique développée par l'artiste au fil des décennies, abordant souvent les thèmes de la vie, du renouveau et de la guérison. « Nombre des matériaux que j'utilise dans mon travail me sont apparus comme par magie. Il y a quelques années, je m'intéressais davantage à la signification de l'utilisation de matériaux trouvés, créés ou achetés, mais aujourd'hui, je me suis complètement abandonnée à l'idée de laisser les objets, les tissus, les matériaux me trouver », explique Bruce. Qualifiant simplement de « peintures » ses compositions en techniques mixtes, ses œuvres sont en réalité des patchworks de tissus peints, sélectionnés individuellement dans ses vastes archives et collés directement sur la toile, formant un collage textile qui peut parfois évoquer une courtepointe. Fruit d'une méthode artistique lente et continue, chaque œuvre représente des heures de travail, de sélection et de juxtaposition, jusqu'à ce que l'ensemble devienne manifestement plus grand que la somme de ses parties. Le processus de Bruce s'achève par le titrage de chaque œuvre : une articulation poétique de ce que l'œuvre est, à ce stade, capable d'exprimer par elle-même. 

L'œuvre de Millett entrelace les expériences des Afro-Américains avec des notions plus larges d'identité et d'histoire collective, suggérant l'interconnexion fragile qui unit tous les êtres vivants. En construisant des œuvres à partir de fragments vibrants et texturés, pour créer un sens qui dépasse la somme de ses éléments individuels, Millett met en lumière les parallèles multidimensionnels entre le processus créatif et l'identité personnelle. Ses textiles, qui puisent dans les traditions domestiques et artistiques du patchwork, s'assemblent pour combiner des tissus culturellement divers, souvent recyclés, et une iconographie historique.

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Morton Beaux-Arts

Fondée en 2010 à Washington, DC par la conservatrice Amy Morton, Morton Fine Art (MFA) est une galerie d'art et un groupe de conservation qui collabore avec des collectionneurs d'art et des artistes visuels pour inspirer de nouvelles façons d'acquérir de l'art contemporain. Fermement convaincu que la collection d'art peut être cultivée à travers une position éducative, la mission du MFA est de fournir l'accessibilité à l'art contemporain de qualité muséale grâce à une combinaison d'expositions substantielles et une plate-forme accueillante de dialogue et d'échange de voix originales. Morton Fine Art se spécialise dans une liste exceptionnelle d'artistes de renommée nationale et internationale et se concentre également sur les œuvres d'art de la diaspora africaine.

Kesha Bruce (Arizona, née en 1975, Iowa). Né et élevé dans l'Iowa, Bruce a obtenu un BFA à l'Université de l'Iowa avant d'obtenir une maîtrise en peinture du Hunter College de New York. Bruce a reçu des bourses de la New York Foundation for the Arts (NYFA), du Vermont Studio Center, de la CAMAC Foundation et de la Puffin Foundation. Son travail fait partie des collections du Smithsonian Museum of African American History and Culture (14 pièces), du Amistad Center for Art and Culture, du University of Iowa Women's Center, de la En Foco Photography Collection et de la Franklin Furnace Artist Book Collection du MOMA. Elle est représentée par Morton Fine Art depuis 2011.

En plus de sa pratique en studio, Bruce est responsable des programmes d'artistes à l'Arizona Commission on the Arts depuis 2019. Elle est également présidente du conseil d'administration de Tessera Art Collective, une organisation à but non lucratif qui soutient et élève le travail et les pratiques de Femmes artistes BIPOC travaillant dans l’abstraction. Bruce est également co-fondateur de Black Girl Basel - le seul événement de la Miami Art Week intentionnellement créé pour les femmes artistes, créatrices, entrepreneures, activistes et actrices de changement culturel noires.

Lizette Chirrime (Inhambane, Mozambique, née au Mozambique) crée des collages textiles complexes sur toile, à la fois festifs et profondément émouvants. L'artiste oscille entre figuration et abstraction pour développer un langage visuel unique, profondément africain. En assemblant des tissus imprimés, des perles et d'autres objets familiers d'Afrique australe, Chirrime transforme des matériaux simples en tableaux autobiographiques et narratifs, chargés d'émotions profondes et de significations symboliques. Nombre de ses collages mettent en scène des figures maternelles et des récits de la maternité africaine, rendant hommage à leur héritage millénaire de force et de grâce et faisant de leur représentation un outil symbolique. 

Après avoir effectué une résidence de trois mois aux Greatmore Studios du Cap en 2005, Chirrime a passé les 16 années suivantes de sa pratique en Afrique du Sud. En 2021, elle retourne dans son pays natal, le Mozambique, où elle vit désormais et continue de créer. 

Maliza Kiasuwa (née en 1975 en République démocratique du Congo) est une artiste plasticienne d'origine européenne et africaine. Elle vit et travaille entre l'Europe et le Kenya, où elle crée des œuvres stimulantes et éclectiques célébrant le pouvoir mystique de la nature africaine. Elle utilise des matériaux bruts et des symboles traditionnels d'énergie qui circulent dans les veines du continent. Elle métamorphose des objets du quotidien en combinant des techniques de déchiquetage et de torsion à des procédés de construction tels que le nouage, le tissage, la couture et la teinture. Sa démarche est fluide, concentrée et méditative. Kiasuwa a exposé au Kenya, en Suisse, en Italie, en Angleterre et aux États-Unis. 

Adia Millett, originaire de Los Angeles, en Californie, a obtenu sa maîtrise en beaux-arts du California Institute of the Arts. En 2001, elle s'installe à New York pour suivre le prestigieux programme d'études indépendantes du Whitney Museum, suivi du programme de résidence du Studio Museum de Harlem. Millett est titulaire d'un BFA de l'Université de Californie à Berkeley et d'un MFA du California Institute of Arts. Elle était artiste en résidence au Whitney Museum Independent Study Program et au Studio Museum de Harlem. Elle a exposé dans des institutions de premier plan, notamment le New Museum de New York ; PS1, New York ; Musée de la diaspora africaine, San Francisco ; Musée d'Oakland, Californie ; Musée d'art Crocker, Sacramento ; Centre des arts Yerba Buena, San Francisco ; Musée d'art de Santa Monica, Californie ; Le Musée d'Art Contemporain d'Atlanta ; Le Centre d'art contemporain de la Nouvelle-Orléans ; Barbican Gallery, Londres, San Jose Quilt and Textile Museum ; et au California African American Museum de Los Angeles, qui a accueilli une exposition personnelle de son travail acclamée par la critique en 2019. Millett a enseigné au Columbia College de Chicago, à l'UC Santa Cruz, à la Cooper Union de New York et au California College of the Arts. Millett réside actuellement à Oakland, en Californie.